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Textos - Texts
Looped Futures
Artemis Gallery
2026
Esta exposição adota Looped Futures tanto como conceito quanto como método. Originando-se da percepção de que nosso caminho adiante está in- dissociavelmente ligado a onde já estivemos, o ter- mo descreve uma navegação do progresso molda- da não pelo voo de uma flecha, mas pelo inevitável retorno. Como T.S. Eliot escreveu famosamente em Four Quartets:
“Tempo presente e tempo passado / Estão ambos, talvez, presentes no tempo futuro, / E o tempo fu- turo contido no tempo passado.” — (T.S. Eliot, Burnt Norton)
Aqui, os Looped Futures são compreendidos como uma trajetória estendida onde o “novo” é, frequen- temente, uma reconfiguração do antigo. Esta visão entende as pausas e repetições como elementos essenciais ao sentido, e não como interrupções do avanço.
A Arquitetura dos Ciclos Estreitamente ligada a esta ideia está a noção de ciclos. Ciclos implicam repetição, mas nunca uma simples duplicação; o que retorna é alterado pelo que já ocorreu. Em A Ordem do Tempo, o físico Carlo Rovelli sugere que nossa percepção de um fluxo linear é uma perspectiva “turva” de uma realidade muito mais complexa:
“Somos histórias, contidas nos vinte complicados centímetros atrás de nossos olhos... orientados para prever eventos no futuro, em um canto bas- tante particular deste universo imenso e caótico.” (Carlo Rovelli, A Ordem do Tempo)
Esta exposição explora o espaço onde Looped Futures e ciclos se interceptam: onde o movimen- to se desdobra através da recorrência e onde a repetição se torna o local primário da mudança. As obras apresentadas não propõem uma narrativa linear, mas uma constelação de passagens — ma- teriais, conceituais e temporais.
A Espiral da Existência Contemporânea Os Looped Futures podem ser lidos como uma condição da existência contemporânea. Move- mo-nos através de sistemas tecnológicos e sociais sobrepostos que retornam continuamente sobre si mesmos. Progresso e regressão coexistem, tal como o “Anjo da História” de Walter Benjamin, que se move em direção ao futuro enquanto encara o passado:
“Onde nós percebemos uma cadeia de eventos, ele vê uma catástrofe única, que acumula incan- savelmente ruína sobre ruína e as lança a seus pés... Essa tempestade é o que chamamos progresso.” (Walter Benjamin, Teses sobre a Filosofia da História)
Nesse contexto, os ciclos não aparecem como círculos fechados, mas como espirais. Materiais são reutilizados e imagens são retrabalhadas. O que inicialmente parece familiar torna-se gradualmente estranho. Como observa Julia Cameron em O Caminho do Artista, a espiral é o mapa mais preciso do crescimento: “Você circulará pelos mesmos problemas repetidamente, cada vez em um nível diferente... junte [o tempo cíclico e o linear] e você terá uma quarta metáfora: o tempo é uma espiral.” (Julia Cameron, O Caminho do Artista)
Há também uma dimensão ecológica embutida nestas obras. Sistemas cíclicos — crescimento e decomposição — são lembretes da interde- pendência. No entanto, o que retorna nunca é neutro; carrega vestígios e responsabilidades. Somos lembrados de As Ruínas Circulares de Jorge Luis Borges, onde o sonhador percebe que é apenas mais um loop em um sonho maior: “O tempo é a substância de que sou feito. O tempo é um rio que me arrebata, mas eu sou o rio; é um tigre que me destroça, mas eu sou o tigre.” (Jorge Luis Borges, Labirintos).
Como exposição, Looped Futures and Cycles funciona como uma estrutura aberta. Os visitantes são convidados a entrar em qualquer ponto, espel- hando as próprias ideias que ela propõe. O sentido emerge gradualmente, através da repetição e da relação. A exposição em si torna-se uma jornada sem destino fixo, onde o que resta não é uma con- clusão, mas uma consciência aguçada da transfor- mação como um processo contínuo.
Manuel S.Mendonça — Ensaista
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Looped Futures
Artemis Gallery
2026
NAVIGATION OF RETURN
This exhibition takes Looped Futures as both a concept and a method. Originating from the realization that our path forward is inextricably bound to where we have been, the term describes a navigation of progress shaped not by an arrow’s flight, but by the inevitable return. As T.S. Eliot famously wrote in Four Quartets:
“Time present and time past, Are both perhaps present in time future, And time future contained in time past.” (T.S. Eliot, Burnt Norton)
Here, Looped Futures is understood as an extended trajectory where the “new” is often a reconfiguration of the old. It views pauses and repetitions as essential to meaning rather than as interruptions to advancement.
The Architecture of Cycles
Closely bound to this idea is that of cycles. Cycles imply repetition, but never simple duplication; what returns is altered by what has already occurred. In The Order of Time, physicist Carlo Rovelli suggests that our perception of a linear flow is a “blurred” perspective of a much more complex reality:
“We are stories, contained within the twenty complicated centimeters behind our eyes... oriented toward predicting events in the future, in a rather particular corner of this immense, chaotic universe.” (Carlo Rovelli, The Order of Time)
This exhibition explores the space where Looped Futures and cycles intersect: where movement unfolds through recurrence, and where repetition becomes a primary site of change. The works presented do not propose a linear narrative but a constellation of passages, material, conceptual, and temporal.
The Spiral of Contemporary Existence Looped
Futures can be read as a condition of contemporary existence. We move through overlapping technological and social systems that continuously loop back. Progress and regression coexist, much like Walter Benjamin’s “Angel of History,” who moves into the future while facing the past:
“Where we perceive a chain of events, he sees one single catastrophe which keeps piling wreckage and hurls it in front of his feet... This storm is what we call progress.” (Walter Benjamin, Theses on the Philosophy of History)
In this context, cycles appear not as closed circles, but as spirals. Materials are reused, and images are reworked. What initially seems familiar gradually becomes estranged. As Julia Cameron notes in The Artist’s Way, the spiral is the most accurate map of growth:
“You will circle through some of the same issues over and over, each time at a different level... put [cyclical and linear time] together and you get a fourth metaphor: time is a spiral.” (Julia Cameron, The Artist’s Way)
There is also an ecological dimension embedded in these works. Cyclical systems, growth and decay, are reminders of interdependence. Yet, what returns is never neutral; it carries traces and responsibilities. We are reminded of Jorge Luis Borges’s “Circular Ruins,” where the dreamer realizes he is merely another loop in a larger dream:
“Time is the thing I am made of. Time is a river that sweeps me along, but I am the river; it is a tiger that tears me apart, but I am the tiger.” (Jorge Luis Borges, Labyrinths)
As an exhibition, Looped Futures and Cycles functions as an open structure. Visitors are invited to enter at any point, mirroring the very ideas it proposes. Meaning emerges gradually, through repetition and relation. The exhibition itself becomes a journey without a fixed destination, where what remains is not a conclusion, but a heightened awareness of transformation as an ongoing process.
Manuel S.Mendonça — Ensaista
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2025
(...) Com a apresentação de novas obras, num exercício de pura acumulação e contextualização, …daquele que é (des)objeto III continua a explorar o modo "como os objetos podem ultrapassar a sua utilidade prática e reconhecimento tradicional, desvendando uma "vida secreta", ou uma nova identidade desconstruída, através da transformação e interpretação artística. A intervenção do artista sobre o objeto é um ponto incontornável da exposição, o que sugere transformações, quer conceptuais, quer físicas. Desta forma, a narrativa da mostra reflete fluidez nas dualidades inerentes ao seu conceito: o objeto reconhecível e aquele que não o é, o significado e a sua ausência, o espaço que se ocupa ou aquele que nos remete para um vazio. Ou que se devota”(1). (...)
(...) A este grupo, juntam-se ainda três obras de dois artistas convidados a participar nesta coletiva, como Grace (2025), de Fábio Colaço (PT) e Repetir o espaço 1 | 2 | 3 (2022), de Diogo Gonçalves (PT) (...)
Miguel Leal Rios - Curadoria da exposição e texto
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2025
(...) Presenting new artworks, in an exercise of pure accumulation and contextualization, …daquele que é (des) objeto III continues to explore "how objects can transcend their practical utility and traditional recognition, revealing a ‘secret life’, or a new deconstructed identity, through artistic transformation and interpretation. The artist’s intervention in the object is an inescapable point of the exhibition, which suggests conceptual and physical transformations. In this way, the exhibition’s narrative reflects fluidity in the dualities inherent in its concept: the recognisable object and the one that is not, the meaning and its absence, the space that is occupied or that which refers to a void. Something that raises devotion"(3). (...)
(...) This group of pieces also includes three artworks by two artists invited to take part in this group show, such as Grace (2025), by Fábio Colaço and Repetir o espaço 1 | 2 | 3 (2022), by Diogo Gonçalves (PT) (...)
Miguel Leal Rios - Curatorship and text
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Symbiotic Systems
Artemis Gallery
2024
Exposição da Artemis Gallery “Symbiotic Systems” reúne três artistas nativos digitais - Diogo Gonçalves, Fragmentin e kennedy+swan - cujo trabalho explora as profundas ligações entre arte, tecnologia e natureza. Situada na era digital, a exposição convida os espectadores a considerar as relações dinâmicas entre o orgânico e o sintético, o real e o virtual. A perspetiva única de cada artista ultrapassa os limites da arte contemporânea, revelando novas formas de pensar sobre o futuro da humanidade, da tecnologia e do ambiente.
Diogo Gonçalves: A Intersecção da Luz, Espaço, Corpo e Transcendência Digital
O artista lisboeta Diogo Gonçalves cativa o público com a sua exploração da espacialidade, da luz e o movimento.
“Corpo escurecendo em movimento #001” (2024) incorpora a sua abordagem caraterística, utilizando acrílico e LED para realçar a fusão entre a natureza biológica e a tecnologia digital. Uma caixa de acrílico iluminada atrai o espectador para um diálogo entre o digital e o orgânico, à medida que as partículas digitais formam a silhueta de um corpo humano. A fusão da luz e da sombra, transparência e opacidade, cria uma experiência quase imersiva que oscila entre a bidimensionalidade e a tridimensionalidade, provocando uma reflexão sobre a forma como a digitalização da forma humana interage e altera a nossa percepção da natureza. Esta escultura phygital (através da fusão de ideias físicas + digitais) transcende a mera representação e torna-se um símbolo poderoso da relação em evolução entre a humanidade e a tecnologia.
Em “Still Untitled” (2024), de Gonçalves, o artista aprofunda esta exploração através do vídeo digital. Aqui, os corpos humanos são recriados num ambiente virtual usando técnicas digitais avançadas. O ciclo contínuo de desintegração e reintegração de partículas ecoa o eterno ciclo de vida, morte e renascimento na natureza. No entanto, o meio digital transforma estes ciclos em algo novo, realçando a dualidade entre o mundo orgânico e o seu equivalente digital. A fluidez do movimento nesta obra desafia o espetador a reconsiderar as fronteiras entre os domínios biológico e digital.
Nina Roehrs - Especialista em arte na era digital, curadora independente
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Symbiotic Systems
Artemis Gallery
2024
Artemis' exhibition "Symbiotic Systems" brings together three native digital artists - Diogo Gonçalves, Fragmentin and kennedy+swan - whose work explores the profound connections between art, technology and nature. Set in the digital age, the exhibition invites viewers to consider the dynamic relationships between the organic and the synthetic, the real and the virtual. Each artist's unique perspective pushes the boundaries of contemporary art, revealing new ways of thinking about the future of humanity, technology and the environment.
Diogo Gonçalves: The Intersection of Light, Space, Body and Digital Transcendence
Lisbon-based artist Diogo Gonçalves captivates audiences with his exploration of spatiality, light, and movement.
"Corpo escurecendo em movimento #001" (2024) embodies his signature approach, using acrylic and LED to highlight the fusion between biological nature and digital technology. An illuminated acrylic box draws the viewer into a dialogue between the digital and the organic, as digital particles form the silhouette of a human body. The fusion of light and shadow, transparency and opacity, creates an almost immersive experience that oscillates between 2- and 3-dimensionality, provoking reflection on how the digitisation of the human form interacts with and alters our perception of nature. This phygital sculpture (through the fusion of physical + digital ideas) transcends mere representation and becomes a powerful symbol of the evolving relationship between humanity and technology.
In Gonçalves' "Still Untitled" (2024), the artist deepens this exploration through digital video. Here, human bodies are recreated in a virtual environment using advanced digital techniques. The continuous cycle of particle disintegration and reintegration echoes the eternal cycle of life, death and rebirth in nature. However, the digital medium transforms these cycles into something new, highlighting the duality between the organic world and its digital counterpart. The fluidity of movement in this work challenges the viewer to reconsider the boundaries between the biological and digital realms. (...)
Nina Roehrs — Specialist for Art in the Digital Age, Independent Curator
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2024
O que é que constitui o objeto? Será uma simples questão de utilidade prática? Do seu reconhecimento? Ou, terá a ver com o seu significado? (...)
(...) Relativamente à relação entre os sentidos do corpo humano e o objeto, o tato é destacado como particularmente relevante. Henri Focillon5 destaca a mão como um meio de ação, ativamente envolvida no desvendar do espaço vazio, ou ocupado pelo objeto, podendo-se estender, endurecer, tal como a moldar-se sobre o que se segura. Assim sendo, a obra de Diogo Gonçalves “Apagar o espaço 1, 2, 3” (2022) explora a gestualidade da mão, que percorre e palpa uma linha luminosa no espaço. (...)
Miguel Leal Rios - Curadoria da exposição
Sara Leichsenring - Texto
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2024
What is an object? Is it simply a matter of practical utility? Of being recognisable? Or does it have to do with its meaning? (...)
(...)Regarding the relationship between the senses of the human body and the object, touch is highlighted as particularly relevant. Henri Focillon5 emphasises the hand as a means of action, actively involved in unfolding of empty space, or that occupied by the object, which can be extended, hardened, as well as moulded onto what is held. Diogo Gonçalves’ work Apagar o espaço 1, 2, 3 (2022) explores the gesture of the hand, which traverses and touches a luminous line in space. (...)
Miguel Leal Rios - Curatorship
Sara Leichsenring - Text
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Nuvem de pontos
Cisternas do Castelo de Leiria
2024
Aproximadamente 54% das pessoas no mundo vivem em cidades. Pelo menos metade da população do planeta teria dificuldade em imaginar como seria viver numa cidade com uma dezena de habitantes, de imaginar a experiência deste espaço-tempo particular. Não é o caso do artista Diogo Gonçalves, que, geográfica e fisicamente afastado das multidões numa pequena vila, se debruça, nesta exposição, sobre a condição do corpo na contemporaneidade hiperconectada.
É provavelmente na modernidade - período em que o fenômeno da migração do campo para as cidades se acelera - que a habilidade do cérebro humano de “virtualizar”, de estar consciente de acontecimentos e fenômenos fora do entorno mediato em que está imerso, se expande. Habilidade que remonta às origens da nossa espécie quando os primeiros Sapiens começam a se deslocar pelo território adquirindo vivências e percepções complexas do devir.
Os meios de transporte e comunicação foram amplificando o campo do virtual, cada um ao seu modo. A domesticação de animais, os veículos motorizados ou não (terrestres, aéreos, fluviais) a fotografia, o rádio, a tv, o cinema, a internet. Cada nova descoberta foi amplificando a possibilidade de conhecer e imaginar de forma diretamente proporcional ao desenvolvimento tecnológico da sociedade.
As tecnologias do século XXI interconectam o mundo físico comprimindo o tempo e o espaço de maneira inédita, fundindo radicalmente o tempo da experiência e o da imaginação. Na virada do século, muito especulava-se sobre um admirável mundo novo que emergiria desta nova conjuntura entre humanos e máquinas. Passadas duas décadas, hoje sabemos que para além daquilo que nos expande, a tecnologia ubíqua, pervasiva e extremamente invasiva dos dias de hoje, também degrada e corrói as relações humanas e o meio ambiente.
Imersos cada vez mais em mundos imaginados, atravessamos uma epidemia de virtualidade. O desequilíbrio entre a perceção de fatos reais ou imaginados, fruto da desconexão com a ordem cronológica do viver - não é à toa a expressão “aceleração do tempo” - juntamente com o avanço meteórico e descontrolado da inteligência artificial, tem atrofiado a nossa capacidade de compreender o mundo.
As redes sociais têm feito estragos, gerando ansiedade e comprometendo habilidades cognitivas consideradas essenciais (um estudo do neurocientista Michel Desmurget aponta que a geração atual, é a primeira da história que tem menos QI que a dos pais), e tem comprometido a democracia através da híper vigilância e das fake news. Noutro sentido, a frágil e alienada relação com o meio ambiente tem mascarado o quanto da atual crise civilizatória e climática está relacionada a exploração extrativista do planeta. Tecnologia é ferro, cobre, silício, nióbio, etc., etc.
É nesse contexto que Gonçalves nos propõe um percurso em três instâncias correlacionadas, um filme em VR, um corredor de luz e uma vídeo instalação imersiva. Interessam-lhe a virtualização do corpo, a subjetividade distribuída, a defasagem entre a essência de fenômenos, pessoas e coisas, e a sua representação.
A primeira obra é um quase poema feito de palavras-chaves que escrutinam os limites do mundo mediado: -…luz, corpos manifestos, multi-espaços, aparência, fabulação, abandono, potência… A voz aveludada e acética que declama remete para aquelas que costumamos ouvir nos equipamentos públicos, acrescentando dramaticidade ao relato. A animação geométrica mínima e em preto e branco que completa a experiência, como pranayama, nos convoca ao tempo presente, ao aqui e agora. Esta “escultura em palavras” - palavras do artista - é ao mesmo tempo um preâmbulo para esfriar o corpo e prenuncio do que virá.
Acompanhando o percurso imposto pelo prédio histórico, atravessamos um espaço neutro, mas altamente sugestivo, corredor de aeroporto, hospital, nave espacial, antesala da Matrix. No place por experiência.
A última peça discorre sobre o próprio artista e sua representação virtual. Explorando a gramática e a sintaxe da nuvem de pontos, matéria estruturante da digitalização das coisas, Gonçalves coreografa um tempo subjetivo, latente e ritual, em consonância com as suas certezas e dúvidas. O corpo, agora pontos de luz, paira no vácuo da intermitente e escorregadia matéria obscura, cabe a nós preencher de significados. Tudo cabe, ainda, mesmo quando sabemos que o que é belo também espanta.
A milhares de quilômetros de Portugal, atravessado por um oceano, e a partir de maquetes 3D, vídeos e entrevistas virtuais, o conjunto me remete a experiência de percorrer uma igreja. Outrora, a luz e a sua manipulação narrativa nos levava à Deus; aqui, como corolário de seu encapsulamento na fibra ótica, nos leva a um ser humano (todos nós), que atribulado pela incerteza, busca compreender o destino da humanidade. Me imagino também, feliz e esperançoso, numa cidade remota com uma dezena de habitantes.
Fernando Velázquez — Artista New Media e Curador
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Point Cloud
Cisternas do Castelo de Leiria
2024
Approximately 54% of the world’s population lives in cities. At least half of the population would find it difficult to imagine what it would be like to live in a city with a dozen inhabitants, to imagine the experience of this particular time and space. This is not the case with the artist Diogo Gonçalves who, geographically and physically distant from the crowds in a small village, focuses with this exhibition on the body’s condition in the hyperconnected times we live in.
It is probably in modernity - a time in which the phenomenon of migration from the countryside to the cities is becoming faster – that the human brain’s ability to “virtualise”, to be aware of events and phenomena outside the immediate surroundings it is immersed in, expands. An ability which goes back to the origin of our species when the first Sapiens started to move through the land acquiring experience and complex insights of what was to come.
The means of transportation and communication have amplified the virtual field, each in its own way. The domestication of animals, the motorised or non-motorised vehicles (land, air, water), photography, the radio, TV, cinema, the internet. Each new discovery has amplified the possibility of knowing and imagining in a way directly proportional to society’s technological development.
The technology of the 21st century links the physical world, compressing time and space in a new way, radically merging the time of experience and that of imagination. At the turn of the century there was a lot of speculation on the possibility of a brave new world emerging from this new conjuncture of humans and machines. Two decades later, we now know that beyond what expands us, the ubiquitous, pervasive, and extremely invasive technology of today, also degrades and erodes human relationships and the environment.
Increasingly immersed in imaginary worlds, we are going through an epidemic of virtuality. The imbalance between the perception of real or imaginary facts, a result of our disconnection with the chronological order of life – the expression “acceleration of time” is not for nothing – together with the meteoric and unrestrained development of artificial intelligence, has shrunken our ability to understand the world.
Social media have wreaked havoc, generating anxiety and affecting cognitive skills considered essential (a study by neuroscientist Michel Desmurget points out that the current generation is the first in history to have lower IQs than their parents), and it has compromised democracy through hyper-surveillance and fake news. In another sense, the fragile and alienated relationship with the environment has masked how much of the current civilisation and climate crisis is related to the extractive exploitation of the planet. Technology is iron, copper, silicon, niobium, etc. etc.
It is in this context that Gonçalves proposes a route in three correlated instances, a VR film, a corridor of light, and an immersive video installation. He is interested in the virtualisation of the body, distributed subjectivity, the lag between the essence of phenomena, people, and things, and their representation.
The first work is almost a poem made of keywords which examine the limits of the medated world: -... light, manifest bodies, multi-spaces, semblance, fabulation, abandon, power... The soft and ascetic voice that speaks reminds us of those we are used to hear in public equipment, adding drama to the account. The tiny geometrical animation, in black and white, which completes the experience, as pranayama, calls us to the present, to the here and now. This “sculpture in words” - as the artist himself calls it - is at the same time a preamble to cool the body and a prediction of what’s to come.
Accompanying the route imposed by the historic building, we cross a neutral space, yet it is highly suggestive. An airport corridor, a hospital, a spaceship, the anteroom of the Matrix. No place by experience.
The last exhibit discusses the artist himself and his virtual representation. Exploring the grammar and syntax of the point cloud, a structuring material for the digitalisation of things, Gonçalves choreographs a subjective, dormant, and ritual time, in line with his certainties and doubts. As the body is now turned into points of light, hovers in the intermittent and slippery vaccum of obscure matter, it is up to us to fill in with meaning. Everything still fits, even when we know that what is beautiful can also be surprising.
Thousands of miles from Portugal, with an ocean between us, and from 3D models, videos, and virtual interviews, the ensemble reminds me of the experience of walking through a church. Before, light and its narrative manipulation took us to God; here, as a corollary of its encapsulation in the optical fibre, it takes us to a human being (all of us), who, troubled by uncertainty, seeks to understand humanity’s fate. I also picture myself, happy and hopeful, in a remote town with a dozen inhabitants.
Fernando Velázquez — New Media Artist and Curator.
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C L | 0
Galeria António Prates
2023
A espacialidade, o gesto e o acaso persistem no trabalho de Diogo Gonçalves. Num vídeo recente “Torção do espaço”, observamos a torção de um braço humano ao agarrar uma lâmpada, aí sendo possível ver um jogo entre espaço, luz e energia. Um corpo absorve a energia da lâmpada; a energia da lâmpada acomoda-se ao espaço de um corpo num espaço mais vasto.
Numa série igualmente recente de desenhos “Line up in space”, o gesto permanece como o resultado da manipulação aleatória de um conjunto de réguas acomodadas pelo acaso no espaço branco da folha de papel. A mão faz oscilar as réguas como se peneirasse o tempo; o peso das réguas contraria o gesto, o espaço é a casa: tempo, peso e gesto nela se aquietam. Em “CL | 0”, a mudança do medium possibilita a tentativa de “fusão” do corpo, do espaço e da energiaeatravés de uma dimensão digital.
Os pressupostos mantêm-se, a ferramenta e o meio mudam. A potência digital permite agora a entrada no interior do gesto — interior que a pele humana tende a esconder —, e a exterioridade assumida dos vários pontos, que seccionam as imagens, traduzem o acaso enquanto erro resultante do programa computacional.
A luz branca dos “perfis” atrai a mão (cuja textura é dada pela rede desenhada), e expande o gesto através das múltiplas formas que o processo de construção das imagens permite.
A cor resulta da especificidade do meio utilizado e reforça uma irredutível presença manifestada na sua aparência bidimensional.
António Savério
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C L | 0
Galeria António Prates
2023
Spatiality, gesture, and chance persist in the work of Diogo Gonçalves. In a recent video Torção do espaço, we observe the twisting of a human arm when grabbing a lamp, where it is possible to see a game between space, light and energy. A body absorbs the energy of the lamp; the energy of the lamp accommodates to the space of a body in a larger space.
In an equally recent series of Line up in space drawings, the gesture remains the result of the random manipulation of a set of rulers placed by chance in the white space of the sheet of paper. The hand makes the rulers oscillate as if sifting through time; the weight of the rulers contradicts the gesture, the space is the house: time, weight and gesture settle down there. In CL | 0, the change of medium makes possible the attempt of “fusion” of the body, space and energy through a digital dimension.
The assumptions remain, the tool and the medium change. Digital power now allows entry into the interior of the gesture — an interior that human skin tends to hide — and the assumed exteriority of the various points that section the images translate chance as an error resulting from the computer program.
The white light of the “profiles” attracts the hand (whose texture is given by the drawn network), and expands the gesture through the multiple ways that the image construction process allows.
Color results from the specificity of the medium used and reinforces an irreducible presence manifested in its two-dimensional appearance.
António Savério
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‘Do’brar o meio
Museu de Lisboa — Teatro Romano
2023
Se por um lado fomos habituados a olhar o trabalho escultórico de Diogo Gonçalves enquanto presença energizada entre o espaço positivo e negativo que habitamos, por outro, em ‘Do’, somos convocados a olhar para a escultura enquanto organismo híbrido e multifacetado, que se move assumidamente entre os campos da fotografia, do vídeo, do desenho e da ação performática de, e na, matéria.
Imagens sequenciais das mãos do artista que se aproximam e se afastam de uma lâmpada fluorescente, flutuam enquanto stills de um filme em loop pelas janelas abertas da fachada do Museu do Teatro Romano de Lisboa. A horizontalidade do objeto lumínico aparenta-se imóvel, como se em cada imagem a sua posição não se modificasse, mas antes se estende-se livremente até à periferia do edifício pelo lado interior das suas extremidades. O que se move, unicamente, são as mãos do artista – que ora entram dentro do plano até atingirem o ponto de contacto com a superfície radiante, ora se afastam lentamente para fora do nosso campo de visão.
Suspensas entre o eco da imaterialidade e o susurro lumínico – despojadas de qualquer cor ou reação – estas fotografias transformam em si a própria expectativa do meio, eternizando gestos que simultaneamente sugerem o fluxo de um movimento em perpétua execução. Por momentos, sentimos o peso da matéria, o calor do seu comportamento tocar as nossas maõs como se fosse o nosso corpo que naquele lugar fixo estivesse presente e não o do artista. Percepcionamos a perspicácia reativa dos sentidos humanos em função do mistério dos do objeto e aquilo que outrora nos era externo, absorvido apenas pela nossa capacidade de visão, revela-se misteriosamente próximo e háptico. Aqui, a qualidade performática da obra complexifica-se, acontecendo-nos externa e internamente e, nesse sentido, dentro dos campos positivo e negativo do espaço que juntos – obra, artista e espetador – passam também a habitar.
‘Do’ de ‘dobrar’, não só abre a possibilidade de divisão de um ente como potencia a sua duplicação. Assim, a obra dobra o seu nome, mas dobra também o corpo do artista e o nosso, a matéria presente e ausente da imagem, a luz e o vulto inerentes aos processos de oscilação e inércia. Acima de tudo, dobra o meio e torna a desdobrá-lo, reduzindo-o – escondendo-o – para de seguida o expandir e multiplicar.
Assistimos à tensão do corpo que se funde com a luz, o desenho fotográfico da matéria que se move segundo os gestos naturais ao reconhecimento de um espaço tão íntimo quanto comum. Diogo Gonçalves apresenta, portanto, uma série de imagens momentâneas anteriores a um resultado, onde a clareira sobrevive à sombra e onde a energia se liberta para o acaso – enigma formal que de nós se esconde para novamente nos reecontrar.
Eva Mendes — Curadora Independente
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‘Do’brar o meio
Museu de Lisboa — Teatro Romano
2023
If on the one hand we have grown accustomed to Diogo Gonçalves’s sculptural work as an energised presence between the positive and negative spaces we inhabit, on
the other, ‘Do’ invites us to look at the sculpture as a hybrid and versatile organism, moving openly between the fields of photography, video, drawing and performative action of, and upon, matter.
Sequential images of the artist’s hands that draw near and move away from a fluorescent light bulb, fluctuate as stills of a looped film through the open windows on the facade of Museu do Teatro Romano de Lisboa. The horizontality of the luminous object appears motionless, as though its position in each image did not change, but rather stretched toward the periphery of the building, inward by way of its extremities.
What moves are solely the hands of the artist — that can either enter the frame until they reach the point of contact with the radiant surface, or slowly disappear beyond our field of view.
Suspended between the echo of immateriality and the luminous whisper — divested of any colour or reaction — these photographs transform within themselves the medium’s own expectations, immortalising gestures that simultaneously suggest the flow of a movement in perpetual execution. For a few moments, we feel the weight of the
matter, the warmth of its behaviour touch our hands as if it were our own body appearing in that fixed position, and not that of the artist. We perceive the human senses’ reactive acumen, according to the mystery of the object, and that which used to be external to us, absorbed only by our ability of sight, reveals itself to be mysteriously haptic and within reach. Here, the performative quality of the work grows more
both externally and internally, and, that way, within the happening to us complex positive and negative fields of space that together — work, artist and spectator — they also begin to inhabit.
‘Do’ as in ‘dobrar’ [to fold] not only opens up the possibility of dividing a being, but also potentiates its duplication. Thus the work folds its name, but also folds the artist’s body and our own, the present and absent matter of image, the light and shadow inherent to the processes of oscillation and inertia. Above all else, it folds the middle and goes on to unfold it, reducing it — hiding it — before immediately expanding and multiplying it.
We watch the tension of the body melding with the light, the photographic design of the matter which moves according to the gestures necessary for the recognition of space as intimate as common. Diogo Gonçalves presents, therefore, a series of momentaneous images prior to a result, where the clearing survives the shadow, and where energy is released toward the random — a formal enigma which hides from us
in order to once more find us again.
Eva Mendes — Independent Curator
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Start-Do-Repeat
Cooperativa de Comunicação e Cultura Torres Vedras
2022
O ser humano assimila o seu lado somático e o seu lado psíquico logo no começo da sua formação. O corpo interage com o ambiente, a matéria nasce-lhe nas mãos. A psique fica consciente do objeto, conhece a sua função.
O tato, destacado sentido como o mais habilidoso dos cinco, parte à descoberta do espaço, medindo o cheio e o vazio, enchendo a natureza de forças misteriosas. A mão, instintiva, faz. Aprende onde mora o peso, sente a textura, age na luz e enfrenta o desconhecido.
O ego acorda. O mundo acontece.
Até que, a automatização do gesto, prosseguindo para a segurança de um sistema quase irracional, torna este ser refém do crescer no mundo. Agindo como o seu educador, este é o sentido que repete e distingue o humano no espaço e no tempo.
Do artista Diogo, o conjunto de peças enunciadas no espaço expositivo são uma ode ao gesto, tal ‘Elogio’ (Focillon, 1934), que se reparte entre ‘Beginning’, ‘Sem título’ e ‘Repetir o espaço’. Correspondendo a um período de produção entre 2020 e 2022, estes trabalhos refletem uma energia de transição do artista e do seu trabalho.
O espectador é conduzido pelos os elementos que melhor caraterizam a prática artística de Diogo Gonçalves. A Camâra Escura, desdobrando uma memorável paisagem, é transformada num campo de investigação sobre os conceitos de corpo e de espaço, fazendo da performatividade da mão, como do observador, o mote da sua prática.
O consistente uso da polaridade nas suas obras, elemento que simultaneamente encripta e descodifica conceitos de corporeidade e gesto, se por um lado regista um espaço negativo rasgado por sabres, invadido por linhas e dividido em planos energéticos, traz, pelo oposto, a anulação do vazio e a abertura de uma clareira percorrida pela mão do artista.
Os seus mais recentes trabalhos, transpondo elementos do mundo físico para o mundo digital, repetindo-os, entram no campo da artificialidade para estudar a automatização e a trans-humanização do corpo e dos sentidos. Funcionando como módulos catalisadores, eles eternizam o gesto, tornando-o um valioso material nas suas composições.
NAH Collective
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Start-Do-Repeat
Cooperativa de Comunicação e Cultura Torres Vedras
2022
Human beings assimilate their somatic and psychic side right at the beginning of their formation. The body interacts with its environment, matter is born from its hands. The psyche remains conscious of the object, knows its function.
Touch, detached from the other four senses as the most skilful, parts in search of space, measuring the full and the empty, filling nature with mysterious forces. Instinctive, the hand makes. It learns where weight lies, feels texture, acts in light, and faces the unknown.
The ego awakes. The world happens.
Until the automatisation of gesture, proceeding to the safety of a near irrational system, makes this being hostage of growth in the world. Acting as its educator, this is the sense that repeats and distinguishes the human being in time and space.
By Diogo, the series of pieces articulated in the exhibition space are an ode to gesture, like In Praise of Hands (Focillon, 1934), which is distributed between ‘Beginning’, ‘Untitled’, and ‘Repeating space’. Produced between 2020 and 2022, these works reflect a transitory energy of the artist and his work.
The viewer is led by the elements which best characterise Diogo Gonçalves’ artistic practice. The Câmara Escura, unfolding a memorable landscape, is transformed into a field of inquiry about the concepts of body and space, turning the hand’s performativity, as well as the spectator’s, the subject of his practice.
If, on the one hand, the consistent use of polarity in his work, an element which simultaneously encrypts and decodes concepts of corporeality and gesture, registers a negative space torn by sabres, invaded by lines and divided into energetic surfaces, it brings, on the other hand, the annulment of the void and the opening of a clearing travelled by the artist’s hand.
His most recent works, transposing elements of the physical world to the digital world, thereby repeating them, enter a field of artificiality to study the automatisation and transhumanization of the body and senses. Working as catalyst modules, they eternalise gesture, turning it into a valuable material in his compositions.
NAH Collective
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Electric Dreams
Artemis Gallery
2021
(...) O gesto manipulador e o acaso são dois dos elementos que Diogo Gonçalves envolve no seu espaço escultórico. Estas ações funcionam como geradores de energia contida, que daqui partem para reverberar no espaço. A matéria das suas esculturas expande e contrai, simultaneamente, os corpos, enquanto o olhar segue a matéria, e assim perdura em loop. São eles que caracterizam a presença, a existência de vultos e que emergem no vazio. Tais vultos, sombras que disfarçam narrativas, são subversões de um intelecto que alberga a capacidade de conhecer todas as forças em atuação na natureza e a posição de todas as coisas que compõem o mundo. (...)
Maria João Teixeira — Curadora Independente
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Electric Dreams
Artemis Gallery
2021
(...) Diogo Gonçalves explores manipulative gestures, actions that results from uncontrollable formulas, and involves that in
his sculptural space. These actions acts as generators and the material in his sculptures simultaneously expands and
contracts the bodies. They dissimulate a presence, an existence of figures and that emerge in the void. Such figures and
those shadows, that disguise narratives, are subversions of an intellect that harbors the ability to know all the forces at
work in nature and the position of all the things that make up the world. (...)
Maria João Teixeira — Independent Curator
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Artemis Gallery
2026
Esta exposição adota Looped Futures tanto como conceito quanto como método. Originando-se da percepção de que nosso caminho adiante está in- dissociavelmente ligado a onde já estivemos, o ter- mo descreve uma navegação do progresso molda- da não pelo voo de uma flecha, mas pelo inevitável retorno. Como T.S. Eliot escreveu famosamente em Four Quartets:
“Tempo presente e tempo passado / Estão ambos, talvez, presentes no tempo futuro, / E o tempo fu- turo contido no tempo passado.” — (T.S. Eliot, Burnt Norton)
Aqui, os Looped Futures são compreendidos como uma trajetória estendida onde o “novo” é, frequen- temente, uma reconfiguração do antigo. Esta visão entende as pausas e repetições como elementos essenciais ao sentido, e não como interrupções do avanço.
A Arquitetura dos Ciclos Estreitamente ligada a esta ideia está a noção de ciclos. Ciclos implicam repetição, mas nunca uma simples duplicação; o que retorna é alterado pelo que já ocorreu. Em A Ordem do Tempo, o físico Carlo Rovelli sugere que nossa percepção de um fluxo linear é uma perspectiva “turva” de uma realidade muito mais complexa:
“Somos histórias, contidas nos vinte complicados centímetros atrás de nossos olhos... orientados para prever eventos no futuro, em um canto bas- tante particular deste universo imenso e caótico.” (Carlo Rovelli, A Ordem do Tempo)
Esta exposição explora o espaço onde Looped Futures e ciclos se interceptam: onde o movimen- to se desdobra através da recorrência e onde a repetição se torna o local primário da mudança. As obras apresentadas não propõem uma narrativa linear, mas uma constelação de passagens — ma- teriais, conceituais e temporais.
A Espiral da Existência Contemporânea Os Looped Futures podem ser lidos como uma condição da existência contemporânea. Move- mo-nos através de sistemas tecnológicos e sociais sobrepostos que retornam continuamente sobre si mesmos. Progresso e regressão coexistem, tal como o “Anjo da História” de Walter Benjamin, que se move em direção ao futuro enquanto encara o passado:
“Onde nós percebemos uma cadeia de eventos, ele vê uma catástrofe única, que acumula incan- savelmente ruína sobre ruína e as lança a seus pés... Essa tempestade é o que chamamos progresso.” (Walter Benjamin, Teses sobre a Filosofia da História)
Nesse contexto, os ciclos não aparecem como círculos fechados, mas como espirais. Materiais são reutilizados e imagens são retrabalhadas. O que inicialmente parece familiar torna-se gradualmente estranho. Como observa Julia Cameron em O Caminho do Artista, a espiral é o mapa mais preciso do crescimento: “Você circulará pelos mesmos problemas repetidamente, cada vez em um nível diferente... junte [o tempo cíclico e o linear] e você terá uma quarta metáfora: o tempo é uma espiral.” (Julia Cameron, O Caminho do Artista)
Há também uma dimensão ecológica embutida nestas obras. Sistemas cíclicos — crescimento e decomposição — são lembretes da interde- pendência. No entanto, o que retorna nunca é neutro; carrega vestígios e responsabilidades. Somos lembrados de As Ruínas Circulares de Jorge Luis Borges, onde o sonhador percebe que é apenas mais um loop em um sonho maior: “O tempo é a substância de que sou feito. O tempo é um rio que me arrebata, mas eu sou o rio; é um tigre que me destroça, mas eu sou o tigre.” (Jorge Luis Borges, Labirintos).
Como exposição, Looped Futures and Cycles funciona como uma estrutura aberta. Os visitantes são convidados a entrar em qualquer ponto, espel- hando as próprias ideias que ela propõe. O sentido emerge gradualmente, através da repetição e da relação. A exposição em si torna-se uma jornada sem destino fixo, onde o que resta não é uma con- clusão, mas uma consciência aguçada da transfor- mação como um processo contínuo.
Manuel S.Mendonça — Ensaista
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Looped Futures
Artemis Gallery
2026
NAVIGATION OF RETURN
This exhibition takes Looped Futures as both a concept and a method. Originating from the realization that our path forward is inextricably bound to where we have been, the term describes a navigation of progress shaped not by an arrow’s flight, but by the inevitable return. As T.S. Eliot famously wrote in Four Quartets:
“Time present and time past, Are both perhaps present in time future, And time future contained in time past.” (T.S. Eliot, Burnt Norton)
Here, Looped Futures is understood as an extended trajectory where the “new” is often a reconfiguration of the old. It views pauses and repetitions as essential to meaning rather than as interruptions to advancement.
The Architecture of Cycles
Closely bound to this idea is that of cycles. Cycles imply repetition, but never simple duplication; what returns is altered by what has already occurred. In The Order of Time, physicist Carlo Rovelli suggests that our perception of a linear flow is a “blurred” perspective of a much more complex reality:
“We are stories, contained within the twenty complicated centimeters behind our eyes... oriented toward predicting events in the future, in a rather particular corner of this immense, chaotic universe.” (Carlo Rovelli, The Order of Time)
This exhibition explores the space where Looped Futures and cycles intersect: where movement unfolds through recurrence, and where repetition becomes a primary site of change. The works presented do not propose a linear narrative but a constellation of passages, material, conceptual, and temporal.
The Spiral of Contemporary Existence Looped
Futures can be read as a condition of contemporary existence. We move through overlapping technological and social systems that continuously loop back. Progress and regression coexist, much like Walter Benjamin’s “Angel of History,” who moves into the future while facing the past:
“Where we perceive a chain of events, he sees one single catastrophe which keeps piling wreckage and hurls it in front of his feet... This storm is what we call progress.” (Walter Benjamin, Theses on the Philosophy of History)
In this context, cycles appear not as closed circles, but as spirals. Materials are reused, and images are reworked. What initially seems familiar gradually becomes estranged. As Julia Cameron notes in The Artist’s Way, the spiral is the most accurate map of growth:
“You will circle through some of the same issues over and over, each time at a different level... put [cyclical and linear time] together and you get a fourth metaphor: time is a spiral.” (Julia Cameron, The Artist’s Way)
There is also an ecological dimension embedded in these works. Cyclical systems, growth and decay, are reminders of interdependence. Yet, what returns is never neutral; it carries traces and responsibilities. We are reminded of Jorge Luis Borges’s “Circular Ruins,” where the dreamer realizes he is merely another loop in a larger dream:
“Time is the thing I am made of. Time is a river that sweeps me along, but I am the river; it is a tiger that tears me apart, but I am the tiger.” (Jorge Luis Borges, Labyrinths)
As an exhibition, Looped Futures and Cycles functions as an open structure. Visitors are invited to enter at any point, mirroring the very ideas it proposes. Meaning emerges gradually, through repetition and relation. The exhibition itself becomes a journey without a fixed destination, where what remains is not a conclusion, but a heightened awareness of transformation as an ongoing process.
Manuel S.Mendonça — Ensaista
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...daquele que é (des)objeto III
Fundação Leal Rios2025
(...) Com a apresentação de novas obras, num exercício de pura acumulação e contextualização, …daquele que é (des)objeto III continua a explorar o modo "como os objetos podem ultrapassar a sua utilidade prática e reconhecimento tradicional, desvendando uma "vida secreta", ou uma nova identidade desconstruída, através da transformação e interpretação artística. A intervenção do artista sobre o objeto é um ponto incontornável da exposição, o que sugere transformações, quer conceptuais, quer físicas. Desta forma, a narrativa da mostra reflete fluidez nas dualidades inerentes ao seu conceito: o objeto reconhecível e aquele que não o é, o significado e a sua ausência, o espaço que se ocupa ou aquele que nos remete para um vazio. Ou que se devota”(1). (...)
(...) A este grupo, juntam-se ainda três obras de dois artistas convidados a participar nesta coletiva, como Grace (2025), de Fábio Colaço (PT) e Repetir o espaço 1 | 2 | 3 (2022), de Diogo Gonçalves (PT) (...)
Miguel Leal Rios - Curadoria da exposição e texto
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...daquele que é (des)objeto III
Fundação Leal Rios2025
(...) Presenting new artworks, in an exercise of pure accumulation and contextualization, …daquele que é (des) objeto III continues to explore "how objects can transcend their practical utility and traditional recognition, revealing a ‘secret life’, or a new deconstructed identity, through artistic transformation and interpretation. The artist’s intervention in the object is an inescapable point of the exhibition, which suggests conceptual and physical transformations. In this way, the exhibition’s narrative reflects fluidity in the dualities inherent in its concept: the recognisable object and the one that is not, the meaning and its absence, the space that is occupied or that which refers to a void. Something that raises devotion"(3). (...)
(...) This group of pieces also includes three artworks by two artists invited to take part in this group show, such as Grace (2025), by Fábio Colaço and Repetir o espaço 1 | 2 | 3 (2022), by Diogo Gonçalves (PT) (...)
Miguel Leal Rios - Curatorship and text
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Symbiotic Systems
Artemis Gallery
2024
Exposição da Artemis Gallery “Symbiotic Systems” reúne três artistas nativos digitais - Diogo Gonçalves, Fragmentin e kennedy+swan - cujo trabalho explora as profundas ligações entre arte, tecnologia e natureza. Situada na era digital, a exposição convida os espectadores a considerar as relações dinâmicas entre o orgânico e o sintético, o real e o virtual. A perspetiva única de cada artista ultrapassa os limites da arte contemporânea, revelando novas formas de pensar sobre o futuro da humanidade, da tecnologia e do ambiente.
Diogo Gonçalves: A Intersecção da Luz, Espaço, Corpo e Transcendência Digital
O artista lisboeta Diogo Gonçalves cativa o público com a sua exploração da espacialidade, da luz e o movimento.
“Corpo escurecendo em movimento #001” (2024) incorpora a sua abordagem caraterística, utilizando acrílico e LED para realçar a fusão entre a natureza biológica e a tecnologia digital. Uma caixa de acrílico iluminada atrai o espectador para um diálogo entre o digital e o orgânico, à medida que as partículas digitais formam a silhueta de um corpo humano. A fusão da luz e da sombra, transparência e opacidade, cria uma experiência quase imersiva que oscila entre a bidimensionalidade e a tridimensionalidade, provocando uma reflexão sobre a forma como a digitalização da forma humana interage e altera a nossa percepção da natureza. Esta escultura phygital (através da fusão de ideias físicas + digitais) transcende a mera representação e torna-se um símbolo poderoso da relação em evolução entre a humanidade e a tecnologia.
Em “Still Untitled” (2024), de Gonçalves, o artista aprofunda esta exploração através do vídeo digital. Aqui, os corpos humanos são recriados num ambiente virtual usando técnicas digitais avançadas. O ciclo contínuo de desintegração e reintegração de partículas ecoa o eterno ciclo de vida, morte e renascimento na natureza. No entanto, o meio digital transforma estes ciclos em algo novo, realçando a dualidade entre o mundo orgânico e o seu equivalente digital. A fluidez do movimento nesta obra desafia o espetador a reconsiderar as fronteiras entre os domínios biológico e digital.
Nina Roehrs - Especialista em arte na era digital, curadora independente
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Symbiotic Systems
Artemis Gallery
2024
Artemis' exhibition "Symbiotic Systems" brings together three native digital artists - Diogo Gonçalves, Fragmentin and kennedy+swan - whose work explores the profound connections between art, technology and nature. Set in the digital age, the exhibition invites viewers to consider the dynamic relationships between the organic and the synthetic, the real and the virtual. Each artist's unique perspective pushes the boundaries of contemporary art, revealing new ways of thinking about the future of humanity, technology and the environment.
Diogo Gonçalves: The Intersection of Light, Space, Body and Digital Transcendence
Lisbon-based artist Diogo Gonçalves captivates audiences with his exploration of spatiality, light, and movement.
"Corpo escurecendo em movimento #001" (2024) embodies his signature approach, using acrylic and LED to highlight the fusion between biological nature and digital technology. An illuminated acrylic box draws the viewer into a dialogue between the digital and the organic, as digital particles form the silhouette of a human body. The fusion of light and shadow, transparency and opacity, creates an almost immersive experience that oscillates between 2- and 3-dimensionality, provoking reflection on how the digitisation of the human form interacts with and alters our perception of nature. This phygital sculpture (through the fusion of physical + digital ideas) transcends mere representation and becomes a powerful symbol of the evolving relationship between humanity and technology.
In Gonçalves' "Still Untitled" (2024), the artist deepens this exploration through digital video. Here, human bodies are recreated in a virtual environment using advanced digital techniques. The continuous cycle of particle disintegration and reintegration echoes the eternal cycle of life, death and rebirth in nature. However, the digital medium transforms these cycles into something new, highlighting the duality between the organic world and its digital counterpart. The fluidity of movement in this work challenges the viewer to reconsider the boundaries between the biological and digital realms. (...)
Nina Roehrs — Specialist for Art in the Digital Age, Independent Curator
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...daquele que é (des)objeto II
Fundação Leal Rios2024
O que é que constitui o objeto? Será uma simples questão de utilidade prática? Do seu reconhecimento? Ou, terá a ver com o seu significado? (...)
(...) Relativamente à relação entre os sentidos do corpo humano e o objeto, o tato é destacado como particularmente relevante. Henri Focillon5 destaca a mão como um meio de ação, ativamente envolvida no desvendar do espaço vazio, ou ocupado pelo objeto, podendo-se estender, endurecer, tal como a moldar-se sobre o que se segura. Assim sendo, a obra de Diogo Gonçalves “Apagar o espaço 1, 2, 3” (2022) explora a gestualidade da mão, que percorre e palpa uma linha luminosa no espaço. (...)
Miguel Leal Rios - Curadoria da exposição
Sara Leichsenring - Texto
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...daquele que é (des)objeto II
Fundação Leal Rios2024
What is an object? Is it simply a matter of practical utility? Of being recognisable? Or does it have to do with its meaning? (...)
(...)Regarding the relationship between the senses of the human body and the object, touch is highlighted as particularly relevant. Henri Focillon5 emphasises the hand as a means of action, actively involved in unfolding of empty space, or that occupied by the object, which can be extended, hardened, as well as moulded onto what is held. Diogo Gonçalves’ work Apagar o espaço 1, 2, 3 (2022) explores the gesture of the hand, which traverses and touches a luminous line in space. (...)
Miguel Leal Rios - Curatorship
Sara Leichsenring - Text
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Nuvem de pontos
Cisternas do Castelo de Leiria
2024
Aproximadamente 54% das pessoas no mundo vivem em cidades. Pelo menos metade da população do planeta teria dificuldade em imaginar como seria viver numa cidade com uma dezena de habitantes, de imaginar a experiência deste espaço-tempo particular. Não é o caso do artista Diogo Gonçalves, que, geográfica e fisicamente afastado das multidões numa pequena vila, se debruça, nesta exposição, sobre a condição do corpo na contemporaneidade hiperconectada.
É provavelmente na modernidade - período em que o fenômeno da migração do campo para as cidades se acelera - que a habilidade do cérebro humano de “virtualizar”, de estar consciente de acontecimentos e fenômenos fora do entorno mediato em que está imerso, se expande. Habilidade que remonta às origens da nossa espécie quando os primeiros Sapiens começam a se deslocar pelo território adquirindo vivências e percepções complexas do devir.
Os meios de transporte e comunicação foram amplificando o campo do virtual, cada um ao seu modo. A domesticação de animais, os veículos motorizados ou não (terrestres, aéreos, fluviais) a fotografia, o rádio, a tv, o cinema, a internet. Cada nova descoberta foi amplificando a possibilidade de conhecer e imaginar de forma diretamente proporcional ao desenvolvimento tecnológico da sociedade.
As tecnologias do século XXI interconectam o mundo físico comprimindo o tempo e o espaço de maneira inédita, fundindo radicalmente o tempo da experiência e o da imaginação. Na virada do século, muito especulava-se sobre um admirável mundo novo que emergiria desta nova conjuntura entre humanos e máquinas. Passadas duas décadas, hoje sabemos que para além daquilo que nos expande, a tecnologia ubíqua, pervasiva e extremamente invasiva dos dias de hoje, também degrada e corrói as relações humanas e o meio ambiente.
Imersos cada vez mais em mundos imaginados, atravessamos uma epidemia de virtualidade. O desequilíbrio entre a perceção de fatos reais ou imaginados, fruto da desconexão com a ordem cronológica do viver - não é à toa a expressão “aceleração do tempo” - juntamente com o avanço meteórico e descontrolado da inteligência artificial, tem atrofiado a nossa capacidade de compreender o mundo.
As redes sociais têm feito estragos, gerando ansiedade e comprometendo habilidades cognitivas consideradas essenciais (um estudo do neurocientista Michel Desmurget aponta que a geração atual, é a primeira da história que tem menos QI que a dos pais), e tem comprometido a democracia através da híper vigilância e das fake news. Noutro sentido, a frágil e alienada relação com o meio ambiente tem mascarado o quanto da atual crise civilizatória e climática está relacionada a exploração extrativista do planeta. Tecnologia é ferro, cobre, silício, nióbio, etc., etc.
É nesse contexto que Gonçalves nos propõe um percurso em três instâncias correlacionadas, um filme em VR, um corredor de luz e uma vídeo instalação imersiva. Interessam-lhe a virtualização do corpo, a subjetividade distribuída, a defasagem entre a essência de fenômenos, pessoas e coisas, e a sua representação.
A primeira obra é um quase poema feito de palavras-chaves que escrutinam os limites do mundo mediado: -…luz, corpos manifestos, multi-espaços, aparência, fabulação, abandono, potência… A voz aveludada e acética que declama remete para aquelas que costumamos ouvir nos equipamentos públicos, acrescentando dramaticidade ao relato. A animação geométrica mínima e em preto e branco que completa a experiência, como pranayama, nos convoca ao tempo presente, ao aqui e agora. Esta “escultura em palavras” - palavras do artista - é ao mesmo tempo um preâmbulo para esfriar o corpo e prenuncio do que virá.
Acompanhando o percurso imposto pelo prédio histórico, atravessamos um espaço neutro, mas altamente sugestivo, corredor de aeroporto, hospital, nave espacial, antesala da Matrix. No place por experiência.
A última peça discorre sobre o próprio artista e sua representação virtual. Explorando a gramática e a sintaxe da nuvem de pontos, matéria estruturante da digitalização das coisas, Gonçalves coreografa um tempo subjetivo, latente e ritual, em consonância com as suas certezas e dúvidas. O corpo, agora pontos de luz, paira no vácuo da intermitente e escorregadia matéria obscura, cabe a nós preencher de significados. Tudo cabe, ainda, mesmo quando sabemos que o que é belo também espanta.
A milhares de quilômetros de Portugal, atravessado por um oceano, e a partir de maquetes 3D, vídeos e entrevistas virtuais, o conjunto me remete a experiência de percorrer uma igreja. Outrora, a luz e a sua manipulação narrativa nos levava à Deus; aqui, como corolário de seu encapsulamento na fibra ótica, nos leva a um ser humano (todos nós), que atribulado pela incerteza, busca compreender o destino da humanidade. Me imagino também, feliz e esperançoso, numa cidade remota com uma dezena de habitantes.
Fernando Velázquez — Artista New Media e Curador
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Point Cloud
Cisternas do Castelo de Leiria
2024
Approximately 54% of the world’s population lives in cities. At least half of the population would find it difficult to imagine what it would be like to live in a city with a dozen inhabitants, to imagine the experience of this particular time and space. This is not the case with the artist Diogo Gonçalves who, geographically and physically distant from the crowds in a small village, focuses with this exhibition on the body’s condition in the hyperconnected times we live in.
It is probably in modernity - a time in which the phenomenon of migration from the countryside to the cities is becoming faster – that the human brain’s ability to “virtualise”, to be aware of events and phenomena outside the immediate surroundings it is immersed in, expands. An ability which goes back to the origin of our species when the first Sapiens started to move through the land acquiring experience and complex insights of what was to come.
The means of transportation and communication have amplified the virtual field, each in its own way. The domestication of animals, the motorised or non-motorised vehicles (land, air, water), photography, the radio, TV, cinema, the internet. Each new discovery has amplified the possibility of knowing and imagining in a way directly proportional to society’s technological development.
The technology of the 21st century links the physical world, compressing time and space in a new way, radically merging the time of experience and that of imagination. At the turn of the century there was a lot of speculation on the possibility of a brave new world emerging from this new conjuncture of humans and machines. Two decades later, we now know that beyond what expands us, the ubiquitous, pervasive, and extremely invasive technology of today, also degrades and erodes human relationships and the environment.
Increasingly immersed in imaginary worlds, we are going through an epidemic of virtuality. The imbalance between the perception of real or imaginary facts, a result of our disconnection with the chronological order of life – the expression “acceleration of time” is not for nothing – together with the meteoric and unrestrained development of artificial intelligence, has shrunken our ability to understand the world.
Social media have wreaked havoc, generating anxiety and affecting cognitive skills considered essential (a study by neuroscientist Michel Desmurget points out that the current generation is the first in history to have lower IQs than their parents), and it has compromised democracy through hyper-surveillance and fake news. In another sense, the fragile and alienated relationship with the environment has masked how much of the current civilisation and climate crisis is related to the extractive exploitation of the planet. Technology is iron, copper, silicon, niobium, etc. etc.
It is in this context that Gonçalves proposes a route in three correlated instances, a VR film, a corridor of light, and an immersive video installation. He is interested in the virtualisation of the body, distributed subjectivity, the lag between the essence of phenomena, people, and things, and their representation.
The first work is almost a poem made of keywords which examine the limits of the medated world: -... light, manifest bodies, multi-spaces, semblance, fabulation, abandon, power... The soft and ascetic voice that speaks reminds us of those we are used to hear in public equipment, adding drama to the account. The tiny geometrical animation, in black and white, which completes the experience, as pranayama, calls us to the present, to the here and now. This “sculpture in words” - as the artist himself calls it - is at the same time a preamble to cool the body and a prediction of what’s to come.
Accompanying the route imposed by the historic building, we cross a neutral space, yet it is highly suggestive. An airport corridor, a hospital, a spaceship, the anteroom of the Matrix. No place by experience.
The last exhibit discusses the artist himself and his virtual representation. Exploring the grammar and syntax of the point cloud, a structuring material for the digitalisation of things, Gonçalves choreographs a subjective, dormant, and ritual time, in line with his certainties and doubts. As the body is now turned into points of light, hovers in the intermittent and slippery vaccum of obscure matter, it is up to us to fill in with meaning. Everything still fits, even when we know that what is beautiful can also be surprising.
Thousands of miles from Portugal, with an ocean between us, and from 3D models, videos, and virtual interviews, the ensemble reminds me of the experience of walking through a church. Before, light and its narrative manipulation took us to God; here, as a corollary of its encapsulation in the optical fibre, it takes us to a human being (all of us), who, troubled by uncertainty, seeks to understand humanity’s fate. I also picture myself, happy and hopeful, in a remote town with a dozen inhabitants.
Fernando Velázquez — New Media Artist and Curator.
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C L | 0
Galeria António Prates
2023
A espacialidade, o gesto e o acaso persistem no trabalho de Diogo Gonçalves. Num vídeo recente “Torção do espaço”, observamos a torção de um braço humano ao agarrar uma lâmpada, aí sendo possível ver um jogo entre espaço, luz e energia. Um corpo absorve a energia da lâmpada; a energia da lâmpada acomoda-se ao espaço de um corpo num espaço mais vasto.
Numa série igualmente recente de desenhos “Line up in space”, o gesto permanece como o resultado da manipulação aleatória de um conjunto de réguas acomodadas pelo acaso no espaço branco da folha de papel. A mão faz oscilar as réguas como se peneirasse o tempo; o peso das réguas contraria o gesto, o espaço é a casa: tempo, peso e gesto nela se aquietam. Em “CL | 0”, a mudança do medium possibilita a tentativa de “fusão” do corpo, do espaço e da energiaeatravés de uma dimensão digital.
Os pressupostos mantêm-se, a ferramenta e o meio mudam. A potência digital permite agora a entrada no interior do gesto — interior que a pele humana tende a esconder —, e a exterioridade assumida dos vários pontos, que seccionam as imagens, traduzem o acaso enquanto erro resultante do programa computacional.
A luz branca dos “perfis” atrai a mão (cuja textura é dada pela rede desenhada), e expande o gesto através das múltiplas formas que o processo de construção das imagens permite.
A cor resulta da especificidade do meio utilizado e reforça uma irredutível presença manifestada na sua aparência bidimensional.
António Savério
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C L | 0
Galeria António Prates
2023
Spatiality, gesture, and chance persist in the work of Diogo Gonçalves. In a recent video Torção do espaço, we observe the twisting of a human arm when grabbing a lamp, where it is possible to see a game between space, light and energy. A body absorbs the energy of the lamp; the energy of the lamp accommodates to the space of a body in a larger space.
In an equally recent series of Line up in space drawings, the gesture remains the result of the random manipulation of a set of rulers placed by chance in the white space of the sheet of paper. The hand makes the rulers oscillate as if sifting through time; the weight of the rulers contradicts the gesture, the space is the house: time, weight and gesture settle down there. In CL | 0, the change of medium makes possible the attempt of “fusion” of the body, space and energy through a digital dimension.
The assumptions remain, the tool and the medium change. Digital power now allows entry into the interior of the gesture — an interior that human skin tends to hide — and the assumed exteriority of the various points that section the images translate chance as an error resulting from the computer program.
The white light of the “profiles” attracts the hand (whose texture is given by the drawn network), and expands the gesture through the multiple ways that the image construction process allows.
Color results from the specificity of the medium used and reinforces an irreducible presence manifested in its two-dimensional appearance.
António Savério
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‘Do’brar o meio
Museu de Lisboa — Teatro Romano
2023
Se por um lado fomos habituados a olhar o trabalho escultórico de Diogo Gonçalves enquanto presença energizada entre o espaço positivo e negativo que habitamos, por outro, em ‘Do’, somos convocados a olhar para a escultura enquanto organismo híbrido e multifacetado, que se move assumidamente entre os campos da fotografia, do vídeo, do desenho e da ação performática de, e na, matéria.
Imagens sequenciais das mãos do artista que se aproximam e se afastam de uma lâmpada fluorescente, flutuam enquanto stills de um filme em loop pelas janelas abertas da fachada do Museu do Teatro Romano de Lisboa. A horizontalidade do objeto lumínico aparenta-se imóvel, como se em cada imagem a sua posição não se modificasse, mas antes se estende-se livremente até à periferia do edifício pelo lado interior das suas extremidades. O que se move, unicamente, são as mãos do artista – que ora entram dentro do plano até atingirem o ponto de contacto com a superfície radiante, ora se afastam lentamente para fora do nosso campo de visão.
Suspensas entre o eco da imaterialidade e o susurro lumínico – despojadas de qualquer cor ou reação – estas fotografias transformam em si a própria expectativa do meio, eternizando gestos que simultaneamente sugerem o fluxo de um movimento em perpétua execução. Por momentos, sentimos o peso da matéria, o calor do seu comportamento tocar as nossas maõs como se fosse o nosso corpo que naquele lugar fixo estivesse presente e não o do artista. Percepcionamos a perspicácia reativa dos sentidos humanos em função do mistério dos do objeto e aquilo que outrora nos era externo, absorvido apenas pela nossa capacidade de visão, revela-se misteriosamente próximo e háptico. Aqui, a qualidade performática da obra complexifica-se, acontecendo-nos externa e internamente e, nesse sentido, dentro dos campos positivo e negativo do espaço que juntos – obra, artista e espetador – passam também a habitar.
‘Do’ de ‘dobrar’, não só abre a possibilidade de divisão de um ente como potencia a sua duplicação. Assim, a obra dobra o seu nome, mas dobra também o corpo do artista e o nosso, a matéria presente e ausente da imagem, a luz e o vulto inerentes aos processos de oscilação e inércia. Acima de tudo, dobra o meio e torna a desdobrá-lo, reduzindo-o – escondendo-o – para de seguida o expandir e multiplicar.
Assistimos à tensão do corpo que se funde com a luz, o desenho fotográfico da matéria que se move segundo os gestos naturais ao reconhecimento de um espaço tão íntimo quanto comum. Diogo Gonçalves apresenta, portanto, uma série de imagens momentâneas anteriores a um resultado, onde a clareira sobrevive à sombra e onde a energia se liberta para o acaso – enigma formal que de nós se esconde para novamente nos reecontrar.
Eva Mendes — Curadora Independente
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‘Do’brar o meio
Museu de Lisboa — Teatro Romano
2023
If on the one hand we have grown accustomed to Diogo Gonçalves’s sculptural work as an energised presence between the positive and negative spaces we inhabit, on
the other, ‘Do’ invites us to look at the sculpture as a hybrid and versatile organism, moving openly between the fields of photography, video, drawing and performative action of, and upon, matter.
Sequential images of the artist’s hands that draw near and move away from a fluorescent light bulb, fluctuate as stills of a looped film through the open windows on the facade of Museu do Teatro Romano de Lisboa. The horizontality of the luminous object appears motionless, as though its position in each image did not change, but rather stretched toward the periphery of the building, inward by way of its extremities.
What moves are solely the hands of the artist — that can either enter the frame until they reach the point of contact with the radiant surface, or slowly disappear beyond our field of view.
Suspended between the echo of immateriality and the luminous whisper — divested of any colour or reaction — these photographs transform within themselves the medium’s own expectations, immortalising gestures that simultaneously suggest the flow of a movement in perpetual execution. For a few moments, we feel the weight of the
matter, the warmth of its behaviour touch our hands as if it were our own body appearing in that fixed position, and not that of the artist. We perceive the human senses’ reactive acumen, according to the mystery of the object, and that which used to be external to us, absorbed only by our ability of sight, reveals itself to be mysteriously haptic and within reach. Here, the performative quality of the work grows more
both externally and internally, and, that way, within the happening to us complex positive and negative fields of space that together — work, artist and spectator — they also begin to inhabit.
‘Do’ as in ‘dobrar’ [to fold] not only opens up the possibility of dividing a being, but also potentiates its duplication. Thus the work folds its name, but also folds the artist’s body and our own, the present and absent matter of image, the light and shadow inherent to the processes of oscillation and inertia. Above all else, it folds the middle and goes on to unfold it, reducing it — hiding it — before immediately expanding and multiplying it.
We watch the tension of the body melding with the light, the photographic design of the matter which moves according to the gestures necessary for the recognition of space as intimate as common. Diogo Gonçalves presents, therefore, a series of momentaneous images prior to a result, where the clearing survives the shadow, and where energy is released toward the random — a formal enigma which hides from us
in order to once more find us again.
Eva Mendes — Independent Curator
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Start-Do-Repeat
Cooperativa de Comunicação e Cultura Torres Vedras
2022
O ser humano assimila o seu lado somático e o seu lado psíquico logo no começo da sua formação. O corpo interage com o ambiente, a matéria nasce-lhe nas mãos. A psique fica consciente do objeto, conhece a sua função.
O tato, destacado sentido como o mais habilidoso dos cinco, parte à descoberta do espaço, medindo o cheio e o vazio, enchendo a natureza de forças misteriosas. A mão, instintiva, faz. Aprende onde mora o peso, sente a textura, age na luz e enfrenta o desconhecido.
O ego acorda. O mundo acontece.
Até que, a automatização do gesto, prosseguindo para a segurança de um sistema quase irracional, torna este ser refém do crescer no mundo. Agindo como o seu educador, este é o sentido que repete e distingue o humano no espaço e no tempo.
Do artista Diogo, o conjunto de peças enunciadas no espaço expositivo são uma ode ao gesto, tal ‘Elogio’ (Focillon, 1934), que se reparte entre ‘Beginning’, ‘Sem título’ e ‘Repetir o espaço’. Correspondendo a um período de produção entre 2020 e 2022, estes trabalhos refletem uma energia de transição do artista e do seu trabalho.
O espectador é conduzido pelos os elementos que melhor caraterizam a prática artística de Diogo Gonçalves. A Camâra Escura, desdobrando uma memorável paisagem, é transformada num campo de investigação sobre os conceitos de corpo e de espaço, fazendo da performatividade da mão, como do observador, o mote da sua prática.
O consistente uso da polaridade nas suas obras, elemento que simultaneamente encripta e descodifica conceitos de corporeidade e gesto, se por um lado regista um espaço negativo rasgado por sabres, invadido por linhas e dividido em planos energéticos, traz, pelo oposto, a anulação do vazio e a abertura de uma clareira percorrida pela mão do artista.
Os seus mais recentes trabalhos, transpondo elementos do mundo físico para o mundo digital, repetindo-os, entram no campo da artificialidade para estudar a automatização e a trans-humanização do corpo e dos sentidos. Funcionando como módulos catalisadores, eles eternizam o gesto, tornando-o um valioso material nas suas composições.
NAH Collective
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Start-Do-Repeat
Cooperativa de Comunicação e Cultura Torres Vedras
2022
Human beings assimilate their somatic and psychic side right at the beginning of their formation. The body interacts with its environment, matter is born from its hands. The psyche remains conscious of the object, knows its function.
Touch, detached from the other four senses as the most skilful, parts in search of space, measuring the full and the empty, filling nature with mysterious forces. Instinctive, the hand makes. It learns where weight lies, feels texture, acts in light, and faces the unknown.
The ego awakes. The world happens.
Until the automatisation of gesture, proceeding to the safety of a near irrational system, makes this being hostage of growth in the world. Acting as its educator, this is the sense that repeats and distinguishes the human being in time and space.
By Diogo, the series of pieces articulated in the exhibition space are an ode to gesture, like In Praise of Hands (Focillon, 1934), which is distributed between ‘Beginning’, ‘Untitled’, and ‘Repeating space’. Produced between 2020 and 2022, these works reflect a transitory energy of the artist and his work.
The viewer is led by the elements which best characterise Diogo Gonçalves’ artistic practice. The Câmara Escura, unfolding a memorable landscape, is transformed into a field of inquiry about the concepts of body and space, turning the hand’s performativity, as well as the spectator’s, the subject of his practice.
If, on the one hand, the consistent use of polarity in his work, an element which simultaneously encrypts and decodes concepts of corporeality and gesture, registers a negative space torn by sabres, invaded by lines and divided into energetic surfaces, it brings, on the other hand, the annulment of the void and the opening of a clearing travelled by the artist’s hand.
His most recent works, transposing elements of the physical world to the digital world, thereby repeating them, enter a field of artificiality to study the automatisation and transhumanization of the body and senses. Working as catalyst modules, they eternalise gesture, turning it into a valuable material in his compositions.
NAH Collective
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Electric Dreams
Artemis Gallery
2021
(...) O gesto manipulador e o acaso são dois dos elementos que Diogo Gonçalves envolve no seu espaço escultórico. Estas ações funcionam como geradores de energia contida, que daqui partem para reverberar no espaço. A matéria das suas esculturas expande e contrai, simultaneamente, os corpos, enquanto o olhar segue a matéria, e assim perdura em loop. São eles que caracterizam a presença, a existência de vultos e que emergem no vazio. Tais vultos, sombras que disfarçam narrativas, são subversões de um intelecto que alberga a capacidade de conhecer todas as forças em atuação na natureza e a posição de todas as coisas que compõem o mundo. (...)
Maria João Teixeira — Curadora Independente
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Electric Dreams
Artemis Gallery
2021
(...) Diogo Gonçalves explores manipulative gestures, actions that results from uncontrollable formulas, and involves that in
his sculptural space. These actions acts as generators and the material in his sculptures simultaneously expands and
contracts the bodies. They dissimulate a presence, an existence of figures and that emerge in the void. Such figures and
those shadows, that disguise narratives, are subversions of an intellect that harbors the ability to know all the forces at
work in nature and the position of all the things that make up the world. (...)
Maria João Teixeira — Independent Curator
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Line up in space
Biblioteca Camões
2020
A investigação do espaço escultórico que Diogo Gonçalves persegue na sua prática artística permite neste trabalho duas operações decisivas, a saber, o gesto e o acaso. O gesto manipula as réguas que oscilam no espaço da folha de papel até encontrarem os seus pontos de fixação. O acaso manifesta-se na impossibilidade de uma manipulação absoluta do espaço da folha que acolhe as réguas. Da pré-disposição realizada pelo gesto, conjugada com a manifestação incontrolável do acaso, resta a energia do gesto, a mesma que gera o atrito entre as réguas e o espaço da folha de papel. A energia do gesto é a mesma que dilui o peso das formas, e fixa na visualidade do espaço a ausência de um corpo.
António Savério
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Line up in space
Camões Library
2020
The study of the sculptural space that Diogo Gonçalves pursues in his artistic experience, allows two decisive operations in this work, namely, gesture and chance.
The gesture manipulates the rulers that sway in the paper until they meet its attachment points. The chance expresses itself in the impossibility of an absolute manipulation of the space of the paper that welcomes the rulers. Of the pre-disposition carried out by the gesture, along with the uncontrollable manifestation of chance, only remains the gesture's energy, the same energy that generates the friction between the rulers and the space in the paper.
The gesture's energy is the same that dilutes the weight of shapes, and fixates on the visuality of the space and the absence of a body.
António Savério
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Tridimensionalidade Aparente
Galeria António Prates
2020
No trabalho escultórico do artista Diogo Gonçalves (1990), o elemento tridimensional aparente destaca-se pelos jogos do corpo no espaço, assim como pelas suas formas, pela cor que emana da luz e pelas texturas ativas que invadem o espaço. Assistimos a uma figura constituída em tela, que se faz movimento noutra imagem. A transformação de energia alude à metáfora de luz, à ideia de uma iluminação, ao mesmo tempo que decorre de um processo de afiguração na contemplação de um caminho para a verdade.
Tarimba Coletivo
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Galeria António Prates
2020
In the sculptural work of the artist Diogo Gonçalves (1990), the apparent three-dimensional element stands out for the body’s games in space, as well as for its shapes, the color that emanates from the light and the active textures that invade the space. We see a figure made on canvas, which creates movement into another image. The transformation of energy alludes to the metaphor of light, to the idea of enlightenment, while it elapses from a process of afiguration in the contemplation of a path to the truth.
Tarimba Coletivo
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Museu de Lisboa — Teatro Romano
Um braço humano agarra a energia contida na lâmpada. A energia do braço procura fundir-se com a energia contida na lâmpada. Há uma torção no braço humano ao fundir a sua energia com a energia contida na lâmpada. O braço absorve agora a energia da lâmpada. A energia da lâmpada acomoda-se ao espaço das veias, ao espaço dos músculos, enfim, a energia da lâmpada acomoda-se ao espaço de um corpo que ocupa um espaço mais vasto. Quanta energia está contida num braço humano? Quanta força, em tensão, está retida na luz da lâmpada? O corpo-matéria transforma-se na energia contida na linha a que a luz dá corpo.
É este o sentido de um dos mais recentes vídeos da investigação plástica do espaço, enquanto energia, desenvolvido pelo trabalho escultórico de Diogo Gonçalves, e cujo programa se aprofunda nesta intervenção no Teatro Romano. Este Segmento Volátil é um desenho no espaço; porém, a luz dilui o corpo do desenho, restando apenas a linha que orienta ascensionalmente o olhar do espectador nesse mesmo espaço. Diluído o corpo, resta a energia, a mesma que o teatro, a mais viva das artes, produz entre actores e espectadores, contida entre as paredes do edifício cujo nome se confunde com a arte que nele se pratica. Iluminar, sabê-lo também pelas leis da física, implica criar uma sombra, a mesma sombra que parece habitar a dimensão mais ou menos negativa do espaço.
António Savério
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Museu de Lisboa — Teatro Romano
A human arm grasps the energy held in the lamp. The energy of the arm seeks to merge itself with the energy held in the lamp. There is a torsion in the human arm in merging its energy with the energy held in the lamp. The arm now absorbs the energy of the lamp. The energy of the lamp settles to the space of the veins, to the space of the muscles, ultimately, the energy of the lamp settles to the space of a body which occupies a wider space. How much energy it is held in a human arm? The body-substance turns itself in the energy held in the line to which the light provides body.
It is this the meaning of one of the most recent videos of plastic research in space, as energy, developed by the statuary work of Diogo Gonçalves, and whose program deepens in this intervention in the Roman Theatre. This Segmento Volátil is a draw in space; however, the light dilutes the body of the drawing, leaving only the line which guides ascendingly the sight of the spectator in that space. Has the body been diluted, the energy is left, the same as the theatre, the most alive of all arts, generates between actors and audience, held within the walls of the building which name gets mistaken with the art that is experienced in it. Enlighten, to know it also by the laws of physics, involves creating a shadow, the same shadow that seems to dwell the more or less negative dimension of space.
António Savério
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DU - Weert
2019
O site-specific Rearrangement of material situa-se na escola Sint Martinusschool em Weert / Holanda.
O edifício perdeu a sua função utilitária para abrir espaço a novas leituras. Quando nos deparamos com a acamulação de materiais, eles carregam consigo as vivências, analisáveis / observados na forma háptica e óptica.
Aquando da limpeza / confronto dos espaços, há uma selecção (natural) mais ou menos inconsciente da forma como o fazemos, paramos / olhamos / tocamos / seleccionamos os materiais, pela sua forma / cor / luz.
A vasta acumulação leva-nos a assimilar materiais. Rearrangement of material forma-se em consonância entre as matérias e o espaço, sem restrições ou barreiras.
Desenvolve-se em direcções verticais / horizontais / diagonais, não encontra um zero ou um todo, está num processo próprio de avanço espacial.
A matéria vai-se expandindo e contraindo pelo espaço corrente, encontrando na sua formação / materialização / destruição, espaços negativos, iluminados no obscuro.
Diogo Gonçalves
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Rearrangement of material
DU - Weert
2019
DU - Weert
2019
The site-specific Rearrangement of material is located in Sint Martinusschool in Weert / Netherlands .
The building had lost its primary functionality to become, as a space, open to new interpretations.
When we come across with the layers of deposited materials, we realize its past experiences, noted in its haptic and optical modes.
While cleaning / comparison of the rooms, there is a (natural) selection, more or less unaware of the way on how we make, pause / look / touch / select the materials, for its shape / colour / light.
The wide accumulation leads us to assimilate the materials. Rearrangement of material is created between the substance and space, without restrictions or barriers. It develops itself in vertical / horizontal / diagonal directions, and doesn't find a void or a whole. Instead it is in a self process of progress / spacial construction.
The substance is expanding and contracting in space, finding itself in its shaping / materialization / destruction, in negative spaces, enlightened, occasionally, in the obscurity.
Diogo Gonçalves